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Gabriel Orozco, Diario de plantas

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Open: Tue-Fri 10am-6pm, Sat 11am-7pm

10 rue Charlot, 75003, Paris, France
Open: Tue-Fri 10am-6pm, Sat 11am-7pm


Gabriel Orozco, Diario de plantas

to Sat 8 Oct 2022

Artist: Gabriel Orozco

10 rue Charlot, 75003 Gabriel Orozco, Diario de plantas

Tue-Fri 10am-6pm, Sat 11am-7pm

version française ici

In a way, my dream is to one day make a world that is as fantastic and perfect as a tree.
Gabriel Orozco

Thirty years after his first exhibition at the gallery in 1993, Galerie Chantal Crousel is delighted to welcome Gabriel Orozco’s eighth solo exhibition in Paris, with a selection of new works forming like a diary compiled between Tokyo and Mexico City, where he currently lives and works.


Untitled, 2022

Tempera on linen canvas
200 x 3.5 x 200 cm 78 3/4 x 1 3/8 x 78 3/4 inches
Courtesy of the artist and Galerie Chantal Crousel, Paris. Photo: Gerardo Landa & Eduardo Lopez - GLR Estudio.

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Untitled, 2022

Tempera on linen canvas
75 x 2.5 x 75 cm 29 1/2 x 1 x 29 1/2 inches
Courtesy of the artist and Galerie Chantal Crousel, Paris. Photo: Gerardo Landa & Eduardo Lopez - GLR Estudio.

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Effacé, 6, 2022

Tempera on linen canvas
40 x 4.5 x 40 cm 15 3/4 x 1 3/4 x 15 3/4 inches
Courtesy of the artist and Galerie Chantal Crousel, Paris. Photo: Gerardo Landa & Eduardo Lopez - GLR Estudio.

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23.II.22 (m), 2022

Gouache, tempera, ink and graphite on paper
18.2 x 12.8 x 0 cm 7 1/6 x 5 inches
Courtesy of the artist and Galerie Chantal Crousel, Paris. Photo: Martin Argyroglo.

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21.I.22 (b) #14, 2022

Gouache, tempera, ink and graphite on paper
16.5 x 12.8 x 0 cm 6 1/2 x 5 inches
Courtesy of the artist and Galerie Chantal Crousel, Paris. Photo: Martin Argyroglo.

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3.I.22 (b) #5, 2022

Gouache, tempera, ink and graphite on paper
16.5 x 12.8 cm 6 1/2 x 5 inches
Courtesy of the artist and Galerie Chantal Crousel, Paris. Photo: Martin Argyroglo.

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Drawings and watercolors, temperas on canvas and wood paintings with one common approach will be presented: that of the imprinting of landscapes and plants originating from his gardens in Acapulco and Mexico City.

An artist in movement

Gabriel Orozco is an artist in constant movement, refusing the immobility of the studio. He draws his inspiration from the different places where he lives and travels. His new productions result from his recent travels between Japan and his native Mexico.

Combining painted and drawn geometric forms and colored plant imprints, they testify to a new profusion in the artist’s work.

Briony Fer, an art historian specializing in his work, explains his creative process in the following terms:
“Gabriel Orozco makes his work out of where he lives, using local materials and often drawing on traditional artisanal practices but of course art can—and often has—been made in one place but out of another, that is, in imaginary as well as actual dialogues with its own origins.” (1)

Drawing on indigenous materials, the artist uses Japanese paper for the gouache, tempera, ink and graphite works, while he resorts to the ancient technique of handmade tempera on canvas for the paintings.
Some drawings, with their minimalist composition and colored lines, recall the art of calligraphy and geometric drawing. Others, decorated with vegetal motifs created with imprints of plants from the artist’s garden, and freehand tracings, are close to the composition of ukiyo-e, Japanese woodblock prints characterized by their bright color palette, their lack of perspective, their marked outlines and the artist’s signature, handwritten or in the form of a red stamp, on the left side of the sheet. In ukiyo-e, “the rules aimed not at external imitation, but at developing a feeling for the animated brush stroke, in its organically controlled process (…). In the process the eye inspects not only the shape of the lines which together go to make up a blossom, a wave, a fold or a hand, but also the intervening spaces, or rather, the emptiness inbetween. It is this emptiness which determines the rhythm of the drawing and the tension in the pictorial plane. The lines are drawn briskly. As there is no way of correcting the ink drawing, the pupil has to learn to master his repertoire of brush-strokes.” (2)
Similarly, Gabriel Orozco’s drawings are an exercise in the mastery of the line, be it straight or curved, manual or natural.

These sheets, systematically dated and signed, seem to form a travel journal, a “plant diary”, in which the artist records his visual notes. “My work happens precisely in this space between the public and the private,” (3) says the artist. His plant imprints, forming a kind of catalog of the flora existing in his garden, follow the tradition of encyclopedias flourishing in the 19th century, a period eager for knowledge, while acting as an individual memory of time, of a season, a moment, seen from the particular space of the artist’s home.

The plant imprints, on which the artist superimposes abstract lines and colors, are transformed into fantastic new species. Briony Fer explains that “Gabriel’s methods are much more informal than that of an atlas that aims systematically to document a whole world of images. It’s maybe more like a travel notebook of a life (his own), but one that records the circumstantial conditions of life along with the everyday living of it as he moves between different locations. The relationship of his work to place remains porous, exposing a distinctive formal procedure to multiple global image-circuits and economies, pictorial and otherwise.” (4)

The imprint of memory

Gabriel Orozco has experimented with different modes of printing throughout his career, using photography, oiljet printing, or manual printing techniques. His new works retain the imprint of plants gathered from his garden and capture an ephemeral nature, soon to be “erased” as the works’ titles suggest, yet fossilized in his drawings and in memory. Using the natural leaves directly as a kind of stamp on which he applies the paint, Orozco then presses them onto paper or canvas sometimes leaving remnants of the plant, fixed forever on the support. This technique close to monoprinting reminds one of the ancestral Japanese art of tataki zome, where the pressing of freshly picked plants on a cloth leaves a permanent mark. Some drawings, in monochrome blue, are reminiscent of Anna Atkins’s cyanotypes. The photographic play of positive and negative, of spaces left blank or filled in, white or colored depend on the artist’s use of leaves as stencils or stamps, imprinting their presence through color or empty space.

Impressions of plants, imprinted with a common memory of visual and scientific historical imagery, these works are nevertheless all personal. The inspiration is domestic and the technique almost infantile. “A lot of my art comes from my childhood,” (5) Orozco often repeats. Some of his works on paper were made using the potato-printing technique reminiscent of a child’s play. The works thus oscillate between meticulous craftsmanship and elemental, instinctive and intimate mark-making.

The geometric and the organic

“I have always been interested in nature (…) My first take is to say that I don’t know what nature is. I don’t know what is natural and artificial. Those distinctions between the natural and the artificial, the geometric and the organic—these are the extremes that we navigate.” (6)

Nature has always been a constitutive element of Gabriel Orozco’s work. Appearing implicitly in the abstraction of the Suisai or industrially in the wallpaper reproductions of his Fleurs Fantômes, nature is now at the center of his new works, in an abundance of vegetal motifs and colors. The diversity of plants represented by the flower and leaf imprints echoes the bright color palette. The paintings with orange tones and a downward composition seem to recall the fall season, while the bright blues, adorned with green, gold, and pink are the image of spring budding. “Orozco’s taste for matter in perpetual change, for the time of matter, leads him to consider the process of growth as the most fascinating of all. This is why the tree, as a symbol associating gravity and growth, constitutes, as the artist himself says, his ideal of sculpture.” (7)
This image of organic growth develops in Gabriel Orozco’s works against the background of a geometric grid. Thus, the vegetal imprints and fluid brushstrokes are interwoven with geometric forms, grids, circles and diagrams, which the artist has developed over the course of his work.

While geometric rigidity and organic forms seem at first to be opposed, in Orozco’s work, “a geometric structure and the metaphorics of growth sometimes seem symbiotic—as in the way smaller or larger circles ‘grow’ outwards from the centre of a drawing, replacing a constructive model with an organic one.” (8)

Indeed, the organic growth that informs Gabriel Orozco’s works is by no means disorderly and chaotic. It takes as its model the circle, the disc, the cycle, omnipresent in his work. Thus, of his circles, divided into halves and quarters, and swirling across the canvas following the strict rules of the chess game he played as a child, the artist explains that their “symmetry is the result of the cell division of a plant.” (9) Geometry and biology are linked. Similarly, the planets, those round stars whose movement fascinated Orozco in his youth, revolve indefinitely in a circle in the universe.

The infinite loops which run across his compositions are drawn from the Möbius strip which, starting from a single curved and bidimensional line, creates a volume in space. The artist’s practice is not so much a search for a circular form as it is a “circular movement in the process of making and a circular form of action or a cyclical way of functioning…” (10)

Eventually, the figure of the tree, which was used by many artists such as Mondrian to think their organized world, perhaps best summarizes the complex thought which develops in Orozco’s works: its upward movement toward the sky is accompanied by an extension of its branches on all sides from its circular base. Following the repetitive and orderly cycle of the seasons, the round blossoming of its buds gives way to the downward movement of the falling leaves, which the artist collects.

(1) Briony Fer, Gabriel Orozco, September 9 — October 7, 2017, Galerie Chantal Crousel.
(2) Gabriele Fahr-Becker, Japanese Prints, Taschen, 1994, p.28.
(3) Gabriella Angeleti, “Interview with Gabriel Orozco: ‘I am not into artists pretending to be heroes’”, The Art Newspaper, December 1, 2011.
(4) Briony Fer, Gabriel Orozco, September 9 — October 7, 2017, Galerie Chantal Crousel.
(5) Olivier Zahm & Alexis Dahan, “Gabriel Orozco: man, play and games”, Purple Fashion, Vol. III, N°23, Spring-Summer, 2015, p.169.
(6) Gabriel Orozco quoted in Patricia Falguières, “D’après nature”, Gabriel Orozco: Fleurs Fantômes, Domaine Régional de Chaumont-sur- Loire, 2016, p.41.
(7) Christine Macel, “L’art comme réceptacle de la vie” in Gabriel Orozco, Centre Pompidou, Paris, 2015, p.19.
(8) Briony Fer, Gabriel Orozco: Suisai, White Cube, 2019, p.96.
(9) Gabriel Orozco quoted in Rosalind Krauss, “Another Yellow Schwalbe”, in Daniel Birnbaum & Yilmaz Dziewior (dir.), Gabriel Orozco: Natural Motion, p.34.
(10) Gabriel Orozco quoted in “Gabriel Orozco in conversation with Hans Ulrich Obrist” in Cahiers d’Art revue 2016-2017, p.132.

En un sens, mon rêve est de créer un jour un monde aussi fantastique et parfait qu’un arbre.
Gabriel Orozco

Trente ans après le début d’une collaboration précieuse et enrichissante, la Galerie Chantal Crousel est heureuse d’accueillir la huitième exposition de Gabriel Orozco à Paris, avec une sélection de nouvelles œuvres témoignant, à la manière d’un journal, des voyages de l’artiste entre Tokyo et Mexico, où il vit et travaille actuellement. Des œuvres sur papier et temperas sur toile seront présentées avec une volonté commune : celle de témoigner de l’empreinte des paysages et des plantes des jardins d’Acapulco et de Mexico.

Un artiste en mouvement

Artiste en constant déplacement, refusant l’immobilité de l’atelier, Gabriel Orozco puise son inspiration dans les différents lieux où il vit et voyage. Ses nouvelles productions sont issues de ses récents voyages entre le Japon et son Mexique natal.

Dans un mélange de formes géométriques peintes et dessinées et d’empreintes de plantes colorées, elles témoignent d’une profusion nouvelle dans l’œuvre de l’artiste.

Briony Fer, historienne de l’art spécialiste de son travail, explique ainsi son processus de création :
« Les œuvres de Gabriel Orozco s’imprègnent de son lieu de vie ; il utilise des matériaux locaux et fait appel à des savoir-faire artisanaux. Si l’art peut être créé sur place tout en venant d’ailleurs, il devient alors le reflet du dialogue réel ou imaginaire qu’il entretient avec ses origines. » (1)

Puisant dans les matériaux autochtones, l’artiste a ainsi utilisé un papier japonais pour les œuvres à la gouache, tempera, encre et graphite, tandis qu’il choisit la technique ancienne de la tempera sur toile dans le cas des peintures.
Certains dessins, à la composition minimaliste et aux lignes colorées, rappellent l’art de la calligraphie et le dessin géométrique. D’autres, ornés de motifs végétaux créés par empreintes des plantes du jardin de l’artiste, et de tracés à main levée, se rapprochent de la composition des ukiyo-e, ces gravures japonaises se distinguant par leur palette de couleurs vives, leur absence de perspective, leurs contours marqués et la signature de l’artiste manuscrite ou sous forme de tampon rouge, à gauche de la feuille. Dans les ukiyo-e, « les règles ne visaient pas l’imitation extérieure, mais le développement d’un sentiment pour le coup de pinceau animé dans son processus organiquement contrôlé […]. L’œil n’inspecte pas seulement la forme des lignes qui composent une fleur, une vague, un pli ou une main, mais aussi, les espaces intermédiaires, ou plutôt le vide entre les deux. C’est ce vide qui détermine le rythme du dessin et la tension du plan pictural. Les lignes sont tracées rapidement. Comme il n’y a aucun moyen de corriger le dessin à l’encre, l’élève doit apprendre à maîtriser son répertoire de coups de pinceau. » (2)
De la même façon, les dessins de Gabriel Orozco sont un exercice dans la maitrise de la ligne, droite ou courbe, manuelle ou naturelle.

Ces feuillets, systématiquement datés et signés, semblent former un carnet de voyage, un « journal de plantes », où l’artiste consigne ses notes visuelles. « Mon travail se place précisément dans cet espace entre le public et le privé » (3), dit l’artiste.

Ses empreintes de plantes, comme un catalogue de la flore existant dans son jardin, font suite aux encyclopédies florissant dans le XIXe siècle avide de savoir, tout en agissant comme un souvenir individuel du temps, d’une saison, d’un moment, vus depuis l’espace particulier de la maison de l’artiste.

Les empreintes de plantes, sur lesquelles l’artiste superpose lignes et couleurs abstraites, se muent en de nouvelles espèces fantastiques. Briony Fer explique : « La démarche d’Orozco est plus informelle qu’un atlas qui implique une documentation systématique du monde des images. Il s’agit d’un carnet de route suivant une vie (la sienne), dont les pages ne renseignent que les conditions circonstancielles d’une existence nourrie par le voyage. La relation qu’entretient son travail avec le lieu reste poreuse et expose un procédé formel aux multiples économies et circuits d’images mondialisés, notamment picturaux. » (4)

L’empreinte de la mémoire

Gabriel Orozco a expérimenté différents modes d’impression au cours de sa carrière, utilisant la photographie, l’impression à jet de peinture à l’huile, ou des techniques d’impression manuelles. Ses nouvelles œuvres conservent l’empreinte des plantes cueillies dans son jardin et reflètent une nature éphémère, bientôt « effacée » comme le suggère le titre des œuvres, fossilisée dans ses feuillets et dans la mémoire. Utilisant directement les feuilles naturelles comme une sorte de tampon sur lequel il applique la peinture, Orozco les presse ensuite sur le papier ou sur la toile, y laissant parfois des vestiges du végétal, fixés à jamais sur le support. Cette technique de l’ordre du monotype semble s’inspirer aussi de l’art ancestral japonais du tataki zomé, où la pression de végétaux fraichement cueillis sur un tissu y laisse la marque permanente.
Certains dessins, dans des monochromes de bleu, rappellent quant à eux les cyanotypes d’Anna Atkins. Le jeu photographique du négatif et du positif, du vide et du plein, du blanc et du coloré dépend de l’utilisation des fleurs et feuilles comme tampon ou comme pochoir, imprimant leur présence par la couleur ou par le vide.

Impressions de végétaux, empreintes d’une mémoire commune d’imagerie visuelle et scientifique historique, ces œuvres sont pourtant toutes personnelles. L’inspiration est domestique et la technique presque infantile.

« Beaucoup de mon art provient de mon enfance, »5 répète souvent Orozco. L’artiste recourt pour certaines œuvres sur papier à la technique de l’impression à la patate, tel un jeu d’enfant. Les œuvres oscillent ainsi entre méticuleux savoir- faire et marquage élémentaire, instinctif et intime.

Le géométrique et l’organique

« J’ai toujours été intéressé par la nature. Ma première réaction est de dire que je ne sais pas ce qu’est la nature. Je ne sais pas ce qui est naturel et artificiel. Ces distinctions entre le naturel et l’artificiel, le géométrique et l’organique — ce sont les extrêmes entre lesquels nous naviguons. » (6)

La nature a toujours été un élément constitutif de l’œuvre de Gabriel Orozco. Apparaissant de manière implicite dans l’abstraction des Suisai ou de manière industrielle dans les reproductions de papiers peints de ses Fleurs Fantômes, elle est aujourd’hui au centre de ses nouvelles œuvres, dans une abondance de motifs végétaux et de couleurs. La diversité des plantes représentées par les empreintes de fleurs et de feuilles fait écho à la palette de couleurs vives. Les tableaux aux tons orangés et à la composition descendante semblent rappeler la saison automnale, tandis que les bleus vifs, ornés de vert, d’or et de rose sont l’image du bourgeonnement printanier. « Le goût d’Orozco pour la matière en perpétuel changement, pour le temps de la matière, le conduit à considérer le processus de croissance comme le plus fascinant de tous. C’est pourquoi l’arbre, en tant que symbole associant gravité et croissance, constitue, comme l’artiste le dit lui-même, son idéal de sculpture. » (7)
Cette image de croissance organique se développe chez Gabriel Orozco sur fond de grille géométrique. Ainsi, les empreintes végétales et les fluides coups de pinceau sont entrecroisés de formes géométriques, grilles, cercles et diagrammes, que l’artiste a développés au cours de son œuvre.

Si la rigidité géométrique et les formes organiques semblent de prime abord opposées, dans l’œuvre d’Orozco, « une structure géométrique et une image de croissance paraissent parfois symbiotiques – comme lorsque des cercles plus ou moins grands se développent à partir du centre d’un dessin, remplaçant un modèle constructif par un modèle organique. » (8)

En effet, la croissance organique qui nourrit les œuvres de Gabriel Orozco n’est en aucun cas désordonnée et chaotique. Elle prend pour modèle le cercle, le disque, le cycle, omniprésents dans ses œuvres.

Ainsi, de ses cercles, divisés en moitiés et en quarts, et tourbillonnant à travers la toile suivant les règles strictes du jeu d’échecs auquel il jouait petit, l’artiste explique que leur « symétrie est le résultat de la division cellulaire d’une plante » (9). Géométrie et biologie sont liées. De même, les planètes, ces astres ronds dont le mouvement a tant fasciné Orozco dans sa jeunesse, ne tournent-elles pas indéfiniment en cercle dans l’univers ?

Les boucles infinies qui traversent ses toiles et ses dessins s’inspirent du ruban de Möbius, qui, à partir d’une seule ligne courbe et bidimensionnelle, crée une image en volume dans l’espace. La pratique de l’artiste ne poursuit pas tant la recherche d’une forme circulaire que d’un « mouvement circulaire dans le processus de fabrication et une forme d’action circulaire ou une manière cyclique de fonctionner… » (10)

C’est finalement l’image de l’arbre, qui a déjà servi à tant d’artistes tel Mondrian à penser leur monde organisé, qui résume peut-être le mieux la pensée complexe qui se développe dans les œuvres d’Orozco : son mouvement ascendant depuis sa base circulaire s’accompagne d’une extension de ses branches de toutes parts depuis son centre. Suivant le cycle répétitif et ordonné des saisons, la ronde éclosion de ses bourgeons laisse place au mouvement descendant de la chute des feuilles, que l’artiste recueille.

(1) Briony Fer, Gabriel Orozco, 9 septembre — 7 octobre 2017, Galerie Chantal Crousel.
(2) Gabriele Fahr-Becker, Japanese Prints, Taschen, 1994, p.28.
(3) Gabriella Angeleti, « Interview with Gabriel Orozco: I am not into artists pretending to be heroes’ », The Art Newspaper, 1er décembre 2011.
(4) Briony Fer, Gabriel Orozco, 9 septembre — 7 octobre 2017, Galerie Chantal Crousel.
(5) Olivier Zahm & Alexis Dahan, « Gabriel Orozco: man, play and games », Purple Fashion, Vol. III, N°23, Spring-Summer, 2015, p.169.
(6) Gabriel Orozco cité dans Patricia Falguières, « D’après nature », Gabriel Orozco: Fleurs Fantômes, Domaine Régional de Chaumont- sur-Loire, 2016, p.41.
(7) Christine Macel, « L’art comme réceptacle de la vie » dans Gabriel Orozco, Centre Pompidou, Paris, 2015, p.19.
(8) Briony Fer, Gabriel Orozco: Suisai, White Cube, 2019, p.96.
(9) Gabriel Orozco cité dans Rosalind Krauss, « Another Yellow Schwalbe », dans Daniel Birnbaum & Yilmaz Dziewior (dir.), Gabriel Orozco: Natural Motion, p.34.
(10) Gabriel Orozco cité dans « Gabriel Orozco in conversation with Hans Ulrich Obrist » dans Cahiers d’Art revue 2016-2017, p.132.

Gabriel Orozco, Diario de plantas, exhibition view, Galerie Chantal Crousel, Paris (2022). Courtesy of the artist and Galerie Chantal Crousel, Paris. Photo: Martin Argyroglo.

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