Il est ici, toujours ailleurs

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Open: Tue-Sat 11am-7pm

87 rue du Temple, 75003, Paris, France
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Il est ici, toujours ailleurs

to Sat 17 Sep 2022

87 rue du Temple, 75003 Il est ici, toujours ailleurs

Tue-Sat 11am-7pm


version française ici

Leila Alaoui, Alejandro Campins, Nikhil Chopra, Berlinde De Bruyckere, Anish Kapoor, Carlos Martiel, Ornaghi & Prestinari, Susana Pilar, Michelangelo Pistoletto, Kiki Smith, Marta Spagnoli, Pascale Marthine Tayou

GALLERIA CONTINUA / Paris presents the collective exhibition Il est ici, toujours ailleurs (It’s here, always elsewhere), exploring through the works of twelve heterogeneous artists the paradoxical way in which certain concrete spaces can give life to utopic elsewheres.

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GALLERIA CONTINUA proposes two thematic and complementary exhibitions in its spaces in France: Il est ici, jamais ailleurs (It’s here, never elsewhere) at Les Moulins from June 26, 2022 and Il est ici, toujours ailleurs (It’s here, always elsewhere) in Paris from July 7, 2022. These exhibitions wish to question, through the artists’ works, the links present between the regimes of the visible and the invisible.

While the visible seems traditionally associated with the very materiality of the real and would thus place itself on the side of reason, being quantifiable and demonstrable; the regime of the invisible, on the other hand, seems to place itself on the side of feelings, of imagination – or even of superstition. However, this vision of a very marked antinomy between the two ways is not unanimous.

For some artists and thinkers, the relationships between them – rather than being a game of simple oppositions – are often intimately symbiotic. The two exhibitions Il est ici, jamais ailleurs and Il est ici, toujours ailleurs consider the question from this angle. To do this, they reference two short philosophical texts by Michel Foucault: Le Corps utopique and Les Hétérotopies (1), where Foucault begins from the etymology of the word utopia in order to develop his discourse. While the Greek word consists of the root τόπος, tópos (“place”) and the Greek privative prefix οὐ-, ou-, and therefore means a place “in no place” and seems purely imaginary, Foucault undeniably connects it to our body. “Utopia is a place outside of all places, but it is a place where I will have a body without a body” (2).

The Paris exhibition is punctuated by the text Les Hétérotopies, where Foucault takes the definition of utopia in order to study physical places that are very real, but which he considers fundamentally different. This newly created field of study, “heterotopology” from the Greek ἕτερος, heteros (“other”), thinks of these zones of rupture as counter-spaces when faced to the societal organization in which they are located. They constitute alternative places where the utopia can be realized and take shape; where the elsewhere can happen within our present. The exhibition Il est ici, toujours ailleurs proposes to explore the potentialities offered by these spaces well delimited in the real world but inhabited by the uncertain and the imaginary – as would be a child’s cabin or a theater.

In the works of Marta Spagnoli, Berlinde De Bruyckere and Kiki Smith, it is first of all the human body itself that becomes a place of utopia. Marta Spagnoli’s canvases narrate the ineffable, and reflect the vast interior spaces produced by the sensibility of the body. Complexity and physical fragility are thus represented through pictorial elements. The latter deny the evoked subjects as much as they make them appear, and the evanescent figures here seem to emerge from a myth or the universe of dreams.

At the same time, Kiki Smith’s drawing offers us a body that extends like a bridge between ourselves and the cosmos. Behind a few tree trunks, the gaze of the female figure is turned towards the imaginary. Here, the skin – fragile border between the earth and the body – becomes the matrix of a harmonious narration where the real and the fantastic, the immobile and the floating, the universe and nature merge. Finally, in the small intimate room overlooking the courtyard, Berlinde De Bruyckere fills the atmosphere with a bitter romanticism. The sculpture that takes place plastically echoes our flesh. A game of complexion is offered to us in all its subtlety through the superposition of layers of wax, and highlights the depth of the body. The sculpture – taking the form of wood – mixes allusion to animal and vegetable nature and to the human flesh.

The elsewhere of the living world and the elsewhere of our lived bodies are embodied in the same form. The body – undeniable anchoring of our being in the moment – announces itself here as a door left open and capable of welcoming within it the multiple cries of the world.

In Oceano by Alejandro Campins, it is the painted landscapes that seem here to be immersed outside the present time. The representation shows here the forms of an exemplified nature. Several visions of real and dreamed landscapes are thus mixed, superimposed, and reduced to their essential characteristics to form veritable pictorial utopias making, by metonymy, an allusion to the vertiginous sublime of nature. In Letargo, these are bunkers that stand out in an astonishing way from their surroundings. Like cathedrals, these ceremonial war sites – icons of the military power and impotence of an era – remain present like concrete ghosts in European landscapes. Their strong materiality and their aggressive connotation show vibrant heterotopias in now peaceful natural landscapes.

The hybrid works of Nikhil Chopra, whose practice borders on performance, theatre, live art, sculpture, photography and drawing, remind us that heterotopia can juxtapose in a single place several incompatible spaces in reality. The artist thus invents landscapes using his own body as a trigger and creator. He enters his performances dressed in makeup and dressed in a costume thought out in its fragility, made of paper as in Broken White IV Part 1, Broken White IV Part 2 and Gedankenfreiheit. This thin envelope is torn by following the movements of a persona that he embodies to reveal an intimacy, always at the border between the other and the self; in perpetual redefinition.

A Poupée Pascale by Pascale Marthine Tayou, for its part, shows a silhouette whose body is both visible and transparent, and tells a story of translucent flesh, which tends towards infinite hybridity. On the ceiling, the Tornado installation by the same artist, made of suspended metal sheets, reminds us of the violent force of change carried by the wind and the storm, while with the neon installations, the echo to the elsewhere is so entirely literary. With Coloris, repair and repetition create a playful transfiguration of the object through make-up.

The works of the Italian duo Ornaghi & Prestinari are inspired by elements of our daily life and forms inherited from the history of art and design to create poetic discrepancies in their works, resulting from the meeting of these two separate worlds. Each work is thus the product of a deep meditation, tests and corrections which testify to a strong interpenetration between artisanal know-how and artistic practice.

With Green to Yellow to Gold satin Anish Kapoor leads us to look at an enigmatic, open and limitless space through a play on the materiality of colors and on the physical properties of a reflective surface.

In a game of presence and absence, the broken mirrors of Michelangelo Pistoletto, Two Less One colored physically involve the visitor within the work and invite him to look at himself in a multiplied way in a space of revelation and of unknown. These mirrors project our image to infinity, suggesting endless possibilities of renewal, and revealing a purely abstract but clearly visible place, always on the edge of disappearance.

Heterotopia is thus often limited to a predefined space but also to a specific time, and in this sense implies a heterochrony where several moments can overlap within the same instant.

In the works of Susana Pilar and Carlos Martiel the present of the body evokes the past time of a violent history – known or unknown – as well as the future under construction – hoped or feared. In the basement of the gallery, the anchoring of the body in the reality of social contexts – in continuity as well as in opposition with the future and the past – is once again made concrete and alive.

GALLERIA CONTINUA invites you, through the works exhibited in Il est ici, toujours ailleurs, to explore reality through the prism of the multiple heterotopias embodied in bodies and places, in order to explore the present through the concrete and the abstract, the visible and the invisible.

(1) Michel Foucault, Le corps utopique, Les Hétérotopies, Éditions Lignes, 2019
(2) Ibid., p.10.


GALLERIA CONTINUA / Paris a le plaisir de présenter l’exposition collective Il est ici, toujours ailleurs qui explore, à travers les œuvres de douze artistes hétéroclites, la manière paradoxale dont certains espaces concrets peuvent donner vie à des ailleurs utopiques.

GALLERIA CONTINUA propose dans ses espaces en France deux expositions thématiques et complémentaires : Il est ici, jamais ailleurs aux Moulins dès le 26 juin 2022 et Il est ici, toujours ailleurs à Paris dès le 7 juillet 2022. Le désir de ces expositions est d’interroger, par le travail des artistes, les enchaînements présents entre les régimes du visible et de l’invisible.

Alors que le visible semble traditionnellement associé à la matérialité même du réel et se placerait ainsi du côté de la raison, étant quantifiable et démontrable ; le régime de l’invisible, lui, semble inversement se placer du côté du sentiment, de l’imagination – voire même de la superstition. Cependant, cette vision d’une antinomie très marquée entre les deux régimes du voir ne fait pas l’unanimité.

Pour certains artistes et penseurs, les rapports entre ceux-ci – plutôt que d’être le jeu de simples oppositions – sont souvent intimement symbiotiques. Les deux expositions Il est ici, jamais ailleurs et Il est ici, toujours ailleurs pensentent la question sous cet angle. Pour ce faire, elles font allusion à deux courts textes philosophiques de Michel Foucault : Le Corps utopique et Les Hétérotopies (1), dans lesquels Foucault part de l’étymologie du mot utopie afin de développer son discours. Alors que le mot grec se compose de la racine τόπος, tópos (« lieu ») et du préfixe privatif grec οὐ-, ou-, et signifie donc un lieu « en aucun lieu » et semble purement imaginaire, Foucault les relie indéniablement à notre corps. « L’utopie est un lieu hors de tous les lieux, mais c’est un lieu où j’aurai un corps sans corps » (2).

L’exposition de Paris est rythmée par le texte Les Hétérotopies, dans lequel Foucault reprend la définition de l’utopie pour étudier des lieux physiques pourtant bien réels, mais qu’il juge fondamentalement différents. Le nouveau champ d’étude qu’il invente, « l’hétérotopologie », du grec ἕτερος, héteros (« autre ») pense ces zones de rupture comme des contre-espaces vis-à-vis de l’organisation sociétale dans laquelle ils s’inscrivent. Ils constituent autant de lieux alternatifs où l’utopie peut se réaliser et prendre corps ; où l’ailleurs peut advenir au sein même de notre présent. L’exposition Il est ici, toujours ailleurs propose d’explorer les potentialités offertes par ces espaces bien délimités dans le réel mais habités par l’incertain et l’imaginaire – comme le seraient une cabane d’enfant ou bien un théâtre.

Dans les œuvres de Marta Spagnoli, Berlinde De Bruyckere et Kiki Smith, c’est d’abord le corps humain lui-même qui devient une localité de l’utopie. Les toiles de Marta Spagnoli mettent en récit l’ineffable, et rendent compte des vaste espaces intérieurs produits par la sensibilité du corps. La complexité et la fragilité physique sont ainsi représentées par l’intermédiaire d’éléments picturaux. Ces derniers dénient les sujets évoqués autant qu’ils les font apparaître, et les figures évanescentes semblent ici émerger d’un mythe ou de l’univers des songes.

Parallèlement, le dessin de Kiki Smith nous propose un corps qui s’étend comme un pont entre nous-même et le cosmos. Derrière quelques troncs d’arbres, le regard de la figure féminine est tourné vers l’imaginaire. La peau – frontière fragile entre la terre et le corps – devient la matrice d’une narration harmonieuse où se mêlent le réel et le fantastique, l’immobile et le flottant, l’univers et la nature. Enfin, dans la petite salle intime donnant sur la cour, Berlinde De Bruyckere charge l’atmosphère d’un romantisme amer. La sculpture qui prend place fait plastiquement écho à notre chair. Un jeu de carnation s’offre à nous dans toute sa subtilité au travers de la superposition des couches de cires, et met en relief la profondeur du corps. La sculpture – reprenant la forme de bois – mélange allusion à la nature animale, végétale et à la chair humaine.

L’ailleurs du monde vivant et l’ailleurs de nos corps vécus s’incarnent dans une même forme. Le corps – pourtant ancrage indéniable de notre être dans l’instant – s’annonce ici comme une porte laissée ouverte et capable d’accueillir en son sein les multiples clameurs du monde.

Dans Oceano d’Alejandro Campins, ce sont les paysages peints qui semblent plongés hors du temps présent. La représentation nous montre ici à voir les formes d’une nature exemplifiée. Plusieurs visions de paysage réelles et rêvées se retrouvent ainsi mêlées, superposées, et réduites à leurs caractéristiques essentielles pour former de véritables utopies picturales faisant, par métonymie, allusion au sublime vertigineux de la nature. Dans Letargo, ce sont des bunkers qui se détachent de manière étonnante de leurs alentours. Comme des cathédrales, ces sites cérémoniels de guerre – icônes de la puissance et de l’impuissance militaire d’une époque – restent présents à la manière de fantômes de bétons dans les paysages européens. Leur matérialité forte et leur connotation agressive donnent à voir des hétérotopies vibrantes dans des paysages naturels désormais apaisés.

Les œuvres hybrides de Nikhil Chopra, dont la pratique se trouve à la frontière de la performance, du théâtre, de l’art vivant, de la sculpture, de la photographie et du dessin, nous rappellent que l’hétérotopie peut juxtaposer en un seul lieu plusieurs espaces incompatibles dans la réalité. L’artiste invente ainsi des paysages en se servant de son propre corps comme d’un élément déclencheur et créateur. Il entre dans ses performances en étant grimé par le maquillage et vêtu d’un costume pensé dans sa fragilité, fait de papier comme dans Broken White IV Part 1, Broken White IV Part 2 et Gedankenfreiheit. Cette fine enveloppe se déchire en suivant les mouvements d’une persona qu’il incarne pour révéler un intime, toujours à la frontière entre l’autre et le soi ; en perpétuelle redéfinition.

Une Poupée Pascale de Pascale Marthine Tayou, donne quant à elle à voir une silhouette dont le corps est à la fois visible et transparent, et met en récit une chair translucide, qui tend à l’hybridité infinie. Au plafond, l’installation Tornado du même artiste, faite de tôles métalliques suspendues, nous rappelle la force violente du changement portée par le vent et la tempête tandis qu’avec les installations néons, l’écho à l’ailleurs se fait de manière toute littéraire. Avec Coloris, la réparation et la répétition créent par le biais des paillettes une transfiguration ludique de l’objet.

Les œuvres du duo italien Ornaghi & Prestinari s’inspirent pour leur part d’éléments de notre quotidien et de formes héritées de l’histoire de l’art et du design pour créer dans leurs œuvres des décalages poétiques, issus de la rencontre de ces deux mondes distincts. Chaque œuvre est ainsi le produit d’une profonde méditation, d’essais et de corrections qui témoignent d’une forte interpénétration entre savoir-faire artisanal et pratique artistique.

Avec Green to Yellow to Gold satin Anish Kapoor nous entraine à regarder un espace énigmatique, ouvert et sans limites par le biais d’un jeu sur la matérialité des couleurs et sur les propriétés physiques d’une surface réfléchissante.

Dans un jeu de présences et d’absence, les miroirs quant à eux brisés de Michelangelo Pistoletto, Two Less One colored impliquent physiquement le visiteur au sein de l’œuvre et l’invitent à se regarder de manière démultipliée dans un lieu de révélation et d’inconnu. La mise en abyme des miroirs provoque ici d’infinis reflets, suggérant des possibilités éternelles de renouvellement, tandis que les bris de la matière suggèrent à l’inverse que cet espace abstrait mais bien visible est comme toujours à la frontière de la disparition.

L’hétérotopie est ainsi bien souvent limitée à un espace prédéfini mais également à un temps précis, et implique en ce sens une hétérochronie où plusieurs moments peuvent se chevaucher au sein d’un même instant.

Dans les œuvres de Susana Pilar et de Carlos Martiel le présent du corps évoque le temps passé d’une histoire violente – connue ou inconnue – comme le futur en construction – espéré ou redouté.

Dans le sous-sol de la galerie, l’ancrage du corps dans le réel des contextes sociaux – en continuité comme en opposition avec le futur et le passé – se donne une nouvelle fois concret et vivant. Cela par le biais des cicatrices et des regards de plusieurs migrants issus de communautés sub-sahariennes du Maroc, mis sensiblement en lumière par l’artiste Leila Alaoui.

GALLERIA CONTINUA vous invite, au travers des œuvres exposées dans Il est ici, toujours ailleurs, à explorer le réel sous le prisme des multiples hétérotopies qui s’incarnent dans les corps et les lieux, cela afin de permettre d’explorer le présent par le biais du concret et de l’abstrait, du visible et de l’invisible.

(1) Michel Foucault, Le corps utopique, Les Hétérotopies, Éditions Lignes, 2019
(2) Ibid., p.10.

all images © the gallery and the artist(s)


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